假如我是艺术家

假如我是艺术家 什么是艺术？艺术的性质，古来说者不一，亚理士多德说 艺术是模仿自然 ，这话现在已不能完全成立。尽管艺术需用自然的材料借以表现，或者取自然的现象做象征，取自然的形体做描写的对象，但他决不是一味的模仿自然。培根说：艺术是人与自然相乘。梵高的理解：艺术是人加入自然并解放自然。人、 天、 自然、 心灵、 美 、这些宏大的概念全都在一个最隐蔽的深幽的小地方，也就是艺术的起点。而我认为艺术就是心灵上的表现，不受环境的影响，总的来说就是领会天意，自如创造，既不强求于人，也不强求于自然。 这就是艺术！ 艺术欣赏需要学习吗?假如有一个人请你去看一个画展。你说，且慢!让我先去学习一下如何看画，然后再去看画展。这不是笑话吗?对于普通人来说，艺术欣赏似乎就是看到了美术作品的画面，听到了音乐会曲子的每个音符，艺术欣赏似乎是无师自通的。其实这样的艺术欣赏只是欣赏的最低层次，也就是获得感官愉悦，并没有了解艺术欣赏的本质所在。那么，艺术欣赏的本质是什么呢?艺术欣赏的本质就是对艺术作品的虚空、空白和不确定性的填补。什么叫艺术作品的虚空、空白与不确定性呢?什么又叫做对艺术作品虚空、空白与不确定性的填补呢? : 艺术作品中的虚空、空白与不确定性就是 象 与 意 之间的距离。作品中的 象 是人的感官可以感知的客观存在之物象，也就是 无绳牵驴 无嘴说话，无耳听闻 。艺术作品的 意 是人的感官无法直接感知的，隐藏于 象 背后的象外之象，也就是需要想象填补的 绳子 对话者的嘴与耳 。艺术欣赏者根据自己的生活经验和审美情趣，在 象 与 意 之间修筑一条由此及彼的道路，就是对艺术作品中的虚空、空白与不确定性的填补。 假如我是艺术家，我会去探讨罗丹的《思想者》， ， 我们注意到 思想者 的右肘放在左腿上，这是一个很别扭的姿势，不能长久地这样坐着。为什么罗丹要给 思想者 安排这样的坐姿呢?按照常理，人们在思考一个问题时要选择一个舒服的姿势，右肘放在右腿上。于是，我们展开想象，思想者思考的那个问题应该是一个很复杂、很困难的问题，右肘放在右腿上的坐姿时间太长了，他太累了;于是，他换了一个姿势，把右肘放在左腿上，就是现在的坐姿。但是这个姿势是更容易疲劳的姿势，坚持不了太久，以后，他的右肘又会放在右腿上。罗丹的雕塑，给接受者留下了虚空、空白和不确定性。这是罗丹的高妙之处。接受者填补了这些不确定性，这是接受者的高明之处。那么，我想考一考读者，运用由静止见运动的思维方式，我们是否可以填补米勒名画《倚锄的男子》中的虚空、空白与不确定性?通过这幅静止的画面，读者是否想象到画面男子劳动的前后过程?画中男子如此疲劳，在这之前他做了什么?他为什么不能坐下或躺下休息，而只是倚锄小憩片刻呢?如果读者可以由静止的画面想到男子劳动的前后过程，你就真正学会了艺术欣赏。 假如我是艺术家，我会去欣赏齐白石的画，叫做 蛙声十里出山泉 。齐白石91 岁时，作家老舍来访，引用清代诗人查初白的诗句请老人作画。齐白石一挥而就。画面上一条溪流从长满青苔的乱石中泻出，几只蝌蚪在溪水中嬉戏，顺流而下。这幅作品，有巨大的虚空、空白和不确定性。数尺长的画卷，不足十里，更无法客观复制蛙声。但是，你是否看到了在十里之外，有许多碧绿的、身上背着三条金线的青蛙在溪水中、池塘里跳跃?假如你看到了也听到了，那么，你就在 象 与 意 的空白间搭建了桥梁，你就是对作品的虚空、空白和不确定性做出了填补，你就欣赏了齐白石的名作。 假如我是艺术家，我会去了解当代美术家韩美林，在史无前例的文化大革命期间，先被批斗，继而投入监狱，经历了难以言传的人生苦难。对于常人来说，社会和环境给予的苦难和不公引起的是愤恨和不满，然而，苦难对于一个心灵纯净的艺术家来说意味着磨练，他用真、善、美回报了社会给予的苦难，那跑遍世界的 福娃 就灌注了他的纯洁善良的灵魂，艺术家这种以德报怨的宽厚胸怀足以使争名逐利、睚眦必报的人们低头反思自己的灵魂。正是浸透着灵魂深处至真至善的千万件优秀艺术作品在召唤欣赏者积极填补艺术作品的虚空、空白和不确定性的同时，深深感动欣赏者，使艺术欣赏者被艺术创作者的纯净灵魂所吸引，而立志做一个高尚的、纯洁的、善良的人。 假如我是艺术家，我知道当代艺术的多元性，以及媒体的迅速更新，给人造成了某种误解，即：随着媒介的发展和更新，使艺术家不需再花很多功夫去培养技艺以及在精神上的修养，而是只需要能想出来一个新的点子，用新的媒介或新观念的形式把它做出来，再进行一番包装和操作，就庶几乎矣 .这样， 人人都是艺术家 理想就能得以实现了！有这种观点人标榜最新的媒介和观念，以及对表面视觉效果的精致和刺激的追求，如广告的制作流程，时尚的花样翻新 .捷足先登者已尝到甜头，后来者恍然大悟，跃跃欲试，大有众望所归的趋势 .这种趋势将导致艺术家不再对艺术，对生存作严肃而深入的思考和反省，不再将艺术活动视为其独立而艰难的精神探索，不再视其为崇高而珍贵的精神载体，不再与平庸有距离。他在精神探求中的快乐被现实成功的快感所取代，作品的精神意义不再是最终目的，而只是手段。他真正关心的不再是作品的精神价值，而是能否在现实的竞争中获取机会和成功。他的最高目的就是在这个生产机器中谋求最有利的位置和待遇，成为最重要的一个零件。艺术不再是精神的先觉者，时代精神圣殿的叩门者，（圣殿已被大众消费娱场所置换了）。艺术与大众的关系不再是：精神的向导 被引导者而是：服务 消费当艺术成为消费品时，它不过是高级的思维游戏软件！而艺术家一旦丧失其精神的独立性和深度，他就丧失了作为艺术家最根本的东西，而他也不再是艺术家了。 首先是艺术究竟为了什么? 艺术的性质，古来说者不一，亚理士多德说 艺术是模仿自然 ，这话现在已不能完全成立。尽管艺术需用自然的材料借以表现，或者取自然的现象做象征，取自然的形体做描写的对象，但他决不是一味的模仿自然。有人说艺术就是 人类的一种创造技能，创造出一种具体的客观的感觉中的对象，这个对象能引起我们精神界的快乐，并且有悠久的价值 。这是就客观方面言.。若就主观方面，艺术就是艺术家理想情感的具体化，客观化，即所谓自己表现。所以艺术的目的并不是在实用，乃是在纯洁的精神的快乐，艺术的起源并不是理性知识的构造，乃是一个民族精神或一个天才底自然冲动的创作。他处处表现民族性或个性。艺术创造的能力乃是根于天成，虽能受理性学识的指导与扩充，但不是专由学术所能造成或完满的。艺术的源泉是一种极强烈深浓的，不可遏止的情绪，挟着超越寻常的想像能力。这种由人性最深处发生的情感，刺激着那想像能力到不思议的强度，引导着他直觉到普通理性所不能概括的境界，在这一刹那间产生的许多复杂的感想情绪底联络组织，便成了一个艺术创作的基础。再次是美学与艺术的关系，雨果说过: 没有艺术，人类生活便会黯然失色。 席勒动情地呼唤过: 啊!人类有你才有艺术。 人人都神往艺术，向往他那种艺术美的感受，正是如此，人们需要真正的艺术家来创造艺术美。而艺术需要现实生活，需要艺术家的创造，没有这些又何来艺术美呢?美术中的艺术美，离不开美术作品，艺术美指的就是美术作品中的美，是由创作主体的审美认识而产生的按照美的规律、并为着美的目的而创造的事物的美。因此，艺术作品的艺术美也是真、善、美的统一。 艺术，是一种把人类生态变成直觉审美形式的创造！ 艺术创造靠一种神奇的虚设触及了人们的两重共性，一是所刻画的对象在人们中的共性，二是欣赏者内心的某种状态共性。这两种共性来自于人类的共同生态。因此不管艺术家多么纯粹的孤立，他们都是经由自己的单房和小径，在探寻人类生态，这种探询的成果不是逻辑结论而是直觉形式！总之艺术创造的说服力是把培根所说的 人 通过艺术家个人而抵达人类生态，还要把培根所说的自然通过原始自然而抵达自觉形式，而这一切在虚设中实现。 总的来说就是领会天意，自如创造，既不强求于人，也不强求于自然。 这就是艺术！ 艺术作品是艺术家情感的形式美表达。艺术家的灵魂总是通过情感的宣泄或隐或显地表现在艺术作品之中。一切优秀的艺术家都有一个高尚的、纯洁的、善良的灵魂。艺术欣赏者正是在欣赏的过程中感受到艺术家灵魂的高尚，从而受到心灵的涤荡和洗礼。 假如我是艺术家，何为艺术家？ 从事艺术活动 ，是一般意义上的 人 得以成为艺术主体的必要条件。从事艺术活动的人至少有三种类型，一是艺术爱好者，二是艺术工作者，三是艺术家。喜欢艺术或许是人类的一种天性，因此，任何人几乎都存在某种对于艺术的爱好，有过因欣赏美妙的音乐、高超的表演、惟妙惟肖的绘画或妙笔生花的文学作品而产生的愉悦，甚至还进行过艺术创作。在这一意义上，任何人都是潜在的艺术爱好者，而且至少在其生活的某些时刻存在现实的艺术爱好。与一般意义上的艺术爱好者相比，艺术工作者对应于一种职业，其人数要少得多，要求则高得多。艺术的职业化是在社会分工相对发达的历史条件下实现的，职业性的画工、乐工、舞蹈演员、游吟诗人在人类历史上已存在了数千年之久，随着艺术门类的推陈出新，艺术的职业大军经历过一次次的变革，影视演员、多媒体设计师等角色是现当代才有的。与一般的艺术工作者或艺术爱好者相比， 艺术家 的范围最为狭窄，要求也最高。这一称呼本质上是一种肯定性的声望角色，与较高的艺术造诣和社会影响相联系。 假如我是艺术家，我就是艺术家！